近代中国画色彩的表现和运用分析(无全文)

作者:李萌 刊名:中国多媒体与网络教学学报(电子版) 上传者:

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【摘要】中国画最早被称为'丹青',可见色彩在中国画中的重要地位。在中国画发展历史上,由于在特定的历史时期,水墨被发展到了极致,导致对色彩的轻视和冷落。直到近代,色彩的价值和意义才被重新认知,也由此开启了中国画发展的新篇章。鉴于此,从中国画色彩观的发展谈起,就近代中国画色彩的表现和运用进行分析。

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·372· 教育发展纵横2017 年第 4 期 一、中国画色彩观的发展和衍变 早在春秋战国时期,中国就出现了真正意义的彩色绘画,《人物龙凤图》和《人物御龙图》就是其中的代表。前者在人物的唇部和服饰上涂有朱砂色,而后者则在白描的基础上运用金白粉彩。秦汉时期,五色观逐渐成熟和发展起来,人们对色彩的把握也更加娴熟得当,所以该时期的绘画多以黑红色为主。如西汉的 T 型帛画,就直接运用朱红、熟赭、石青、黑、白等色彩,整个画面的色彩效果是较为统一的。魏晋南北朝时期,随着佛教的传入,西域异族的色彩观也融入中国画创作中,先是谢赫在《六法论》中提出“随类赋彩”的理念,随后宗炳则认为应该“以形写形,以色貌色”,所以该时期的绘画色彩主要以蓝绿为主色调,红白黑为副色调,体现了色彩对比和互补的理念。隋唐时期,随着中国画艺术的大发展,色彩运用也随之丰富起来,阎立本、张暄、周舫都在色彩运用上有着鲜明的个人特色。而且在该时期,山水画和花鸟画逐渐独立出来,在色彩上有着较大差异。山水画主要是青绿山水,以石青、石绿为主基调,配以赭石、朱砂等,鲜艳华丽,金碧辉煌。而花鸟画则大多勾线精细,重彩设色。五代两宋时期,先是青绿山水发展到了高峰,王希孟的《千里江山图》、赵伯驹的《江山秋色图》等,都是青绿山水的典范之作。随后则出现了文人画,这在很大程度上影响了中国画色彩的发展。受到儒、道、禅等思想的影响,文人画追求淡雅、平和、超逸的画面效果,所以玄色就成为了文人画创作的首选色。元明清时期,受到文人画的影响,色彩表现转为以水墨为主,追求简单、质朴的审美趣味,虽然也有青绿重彩作品问世,但是并不占主流。纵观整个发展历程可以看出,整个中国画色彩观的发展和衍变,可以简单概括为唐宋之前尚色彩,唐宋之后尚水墨,两者是一种先后、轻重的关系,而不是有无和对立的关系。但是受到多种原因的影响,还是有不少人认为水墨画就是中国画、色彩被水墨所淹没等。当从宏观角度看待色彩和水墨时,就会发现水墨只是色彩的一种,并不是中国画色彩表现和运用的全部,中国画本身是五颜六色,色彩斑斓的。 二、当代中国画色彩的表现和运用 19世纪末20世纪初,伴随着西方文化的融入,中国画艺术也迎来前所未有的发展变革,在这场变革中,色彩也成为了主角之一,诸多画家纷纷以不同的方式对中国画色彩进行新的探索,表现在继承传统、学习西方、借鉴民间三个方面。 1. 继承传统 中国画在漫长的历史发展中,已经形成了一套较为稳定的色彩运用法则,而很多画家则在此基础上进行创新,使之既具有传统中国画的特点,又呈现新的风貌。如任伯年,作为海派的领军人物,其在色彩表现上也是别具一格的。其喜欢将各种纷繁的色彩融为一体,但是又能够将其处理得层次分明,对比得当。如《群仙祝寿图》中,虽然人物数量众多,但是却通过对神态、动作的精准刻画,显示出不同的性格和情感特征。在用色方面,则使用了石青、石绿、朱砂等重色,将其与金色的底色融合在一起,既鲜艳夺目又和谐统一。而且值得一提的是,任伯年还对传统的撞水、撞粉技法进行了创新,在墨色未干的时候点上水滴或白粉,从而形成富含变化的渍痕效果。又如齐白石,他的作品虽然师从于文人画,但是又超越了文人画,丰富的民间阅历使他能够以更加自然、质朴的形式描绘一些最为常见的题材。在具体的色彩表现中,其更加偏爱鲜亮的感觉,如将墨叶、红花和翠羽融为一体,并独创了红花墨叶的画风,墨压住色的火,而色又衬托出墨的厚,起到了互补的效果。再如吴昌硕,与任伯年相比,其在用色上更加泼辣与豪放,其充分汲取金石书画的养料,将复色技法运用得左右逢源,或大红大绿,或重赭重青,或黑白分明,整个画面先是

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