浅析色彩在传统中国画人物创作中的应用技巧

作者:陈宇鹏 刊名:开封教育学院学报 上传者:吴绶镐

【摘要】"五行色彩观"是我国传统色彩观的基础,是我国早期劳动人民对色彩最原始、最朴素的认识。它是以黄色为中心,从而形成以青、白、红、黑为方位关系的色相环,与传统的"人道"、"天道"存在着一定的时空联系。在随后的历史发展过程中,儒家的"正色思想"、道家的"阴阳、太一"色彩观念以及佛家与其诗意描述相同的"素淡"的色彩观等等,都对中国画人物创作的技法和审美思想产生了重要影响。

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要想深入了解中国画人物创作的色彩应用特点和应用技巧,就必须首先了解我国传统绘画在各个历史时期的色彩应用规律和代表性的色彩理论。一、我国传统绘画用色的发展规律“彩墨共生”是我国传统写意人物画的最初形态,其典型代表是汉代墓室壁画。画家往往是采用墨线来勾描表现人物大致的神情和动势,然后又采用对比强烈的大色块进行渲染,使整个画面形象生动,而不再是缺乏色彩的单一形态。正如中国艺术研究院牛克诚先生曾经说过的:“最迟到汉代以后,色彩就开始与水墨画并行发展,尤其是当时以‘汉画’为主体形态的形象生动的墓室壁画,就已经拥有了水墨画的基本形式。唐宋时期的诸多画家们只不过是拾起了早期汉画中的水墨资源而已。”纵观中国绘画发展史,从色彩应用的角度来说,它主要存在着“显”与“隐”两条线索。唐宋以前的绘画活动比较重视色彩的应用,比如上文所说的汉代墓室彩绘以及盛唐时期的重彩艺、敦煌壁画、青绿山水画等等,但也有水墨黑白画的存在,特别是唐朝著名画师赵孟頫兼有水墨和青绿传世,只是有些作品并未被世人广泛传颂,从而在整个社会中造成“一支独大”的色彩应用风格。唐宋以后,尤其是在宋朝时期呈现出“水墨至上”的绘画观念,“水墨渲染”、“运墨而五色俱”则成为表现国画色彩的一种主要手段,甚至产生了“水墨决定论”的论断。但这并不意味着色彩在绘画表现活动中的消失。尤其到近代以来,随着西方绘画作品的“入侵”,其特殊的创作技法、创作理念以及艺术效果极大地冲击了中国画以笔墨为主、色彩为辅的长期统治,逐渐改变中国画水墨抑制色彩的格局,使水墨与色彩相互融合,既具有传统画的审美特征和情感韵味,同时又极大地强化了作品的艺术表现力。比如民国时期全国各地出现的“月份牌平面广告”作品便是新的绘画风格的典型代表。从某种程度上来说,中国绘画色彩演进史一直都是伴随着“显”与“隐”两条轨迹。色彩与水墨在不同的历史时期所处的地位各不相同,此消彼长,相辅相成,二者并非是完全取代或者是清除另一方,而仅仅是“在用色方面各有其主要精神的寄托,有所归宿”而已。最终二者在独立发展,各具特色的情况下,又相互融合,从而产生一些新的绘画技法,比如插笔水彩技法,以此来适应时代的审美观念和功能需求。二、中国画人物创作中的色彩应用特征同中国画色彩应用的发展历程一样,人物创作的设色在不同的历史时期具有不同的风格特征,在整个绘画发展过程中蕴含着丰富的创作经验、规律特征和审美观念。对于这些内容的研究,有利于我们更好地明确当前中国人物画色彩在应用技巧、应用效果方面的创新导向。具体来说,中国画人物创作中的色彩应用具有以下几个方面的特征:(一)色彩表现主要是以平面装饰为主总体来说,中国画中的人物创作在色彩应用上主要是以意赋色,力戒艳俗。从传统工笔人物画的角度来说,主要是采用改变自然色相,突出主观色彩表现力的方式来进行设色。画家往往比较重视各种色彩之间的量块对比,通过主观的审美认知来处理画面明暗、大小、冷暖以及水色与石色之间的衬托和对比。与此同时,画家还比较强调色彩要能够与塑造人物形象的墨线浑然一体,使整个作品显得更加形象生动。比如五代时期顾闳中的代表性作品《韩熙载夜宴图》,便是以平面色块组合为主,不仅色彩间具有明显的对比变化,而且色调也极富节奏感。比如“宴乐”段,通过大块色调较冷、深浅不一的灰墨色来衬托小块比较明亮的暖色,然后又以大块透明的水色与小块不透明的石色之间形成统一的对比关系,使整个画面表现出一种活跃而极富节奏的色彩旋律。(二)色彩表现追求雅致风格通过对诸多中国传统人物画的分析可以看出,画家在色彩应用方面特别重视色彩的格调和墨色的运用,追求雅致、古朴的视觉效果。

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