钢琴实验音乐作品创作与表演研究

作者:蒋睿青; 刊名:铜陵学院学报 上传者:陈友根

【摘要】实验音乐作为20世纪出现的一种音乐现象,其独特的创新思维被先锋派作曲家广泛应用于钢琴作品的创作与表演中。这类创作的核心理念在于声音的创新,作品本身不具有情感色彩,而实现声音创新的路径主要有三种:改变钢琴发声状态、扩展钢琴演奏技巧、融合多样性文化。大量钢琴实验音乐作品的诞生有力地推动着现代音乐的蓬勃发展。

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实验音乐诞生于20世纪的欧美国家,以约翰·凯奇为代表的先锋派作曲家彻底放弃传统音乐的情感元素,将声音本身作为创作核心,掀起了一场音乐领域的“革新运动”。凯奇认为世间存在的一切声音都可以成为音乐,无论是大自然的花鸟虫鱼,还是火车轰鸣,甚至婴儿啼哭,这些声音本身就是音乐,音乐无需表达人类情感。近年来,随着社会进步,科技发展,实验音乐与科学、哲学、美学等其它学科联系日益紧密,包含的音乐种类不断扩充,噪音音乐、电子音乐、计算机音乐、偶然音乐、微分音音乐、简约音乐等均被纳入实验音乐范畴[1]。20世纪对西方音乐而言是多元化发展的时代,这一时期的西方音乐流派种类繁多,如印象主义音乐、表现主义音乐、新古典主义音乐、序列音乐、拼贴音乐等。突破与创新成为这个时代的标志,传统的价值体系和意识形态遭到前所未有的冲击。在这样的大环境下,音乐家们纷纷开始了对新钢琴技法的探究,比如著名的法国印象派作曲家德彪西在大小调音阶基础上发明了全音音阶,每相邻的两个音之间均为大二度关系,这种音阶体系在德彪西创作的钢琴曲中随处可见,成为作曲家塑造音乐形象的重要手段。此外,勋伯格发明的十二音技法也对现代音乐的发展产生了重要影响,他将八度范围内的十二个音符设计成序列,循环往复的进行演奏,创造出与传统和声体系完全不同的听觉感受,勋伯格于1923年创作的《五首钢琴曲》堪称序列音乐的经典之作。在这百家争鸣的时代,实验音乐在钢琴创作领域也走出了自己的道路。无论是德彪西的全音阶,还是勋伯格的十二音,都是在传统作曲技法的基础上进行突破,产生新的作曲技法,换而言之,作曲家的意志对于作品的呈现起到决定性作用,而实验音乐则反其道而行之,将听众的“聆听”放在首位,尝试创作出高纯粹性的音乐,淡化作曲家的自我意识。约翰·凯奇曾说过:“新的音乐,新的听法,不企图弄明白在说什么。因为,如果正在说着什么,声音就会被赋以词的形式,我们仅仅注意声音的活动。”[2]由此可见,实验音乐下的钢琴作品创新是直接实现钢琴这件乐器的声音变化,并非通过创造新的作曲技法实现听觉上的差异,而达到这一目的的路径主要有三条:改变钢琴发声状态、扩展钢琴演奏技巧、融合多样性文化。一、改变钢琴发声状态现代钢琴的键盘由88个琴键组成,每个琴键对应一个固定音高,当琴键被按下,榔头便会敲击琴弦,琴弦震动发出声音。改变钢琴发声状态的方法通常有两种,一是直接调整钢琴内部物理状态,二是通过添加外部材料强制改变钢琴发声状态。(一)调整内部物理状态钢琴内部物理状态包括琴弦的松紧、长短、间距,榔头的粗细等等,当它们发生偏差时,钢琴的音高就会随之产生特殊的变化,这是一种在不改变乐器声音本质的前提下,实现音色转变的操作方法,也就是说听者依然能够听出钢琴的声音,但又有别于人们固有认知上的钢琴声。以美国实验音乐奠基人之一的查尔勒斯·艾夫斯于1924年创作完成的《3 Quarter-tone pieces》为例。这套作品是艾夫斯一生中唯一一部系统使用微分音的音乐作品,整首曲子按照双钢琴编制创作完成,要求在演奏前将第一钢琴的音高调高四分之一或将第二钢琴的音高调低四分之一,使乐器无法发出原本稳定悦耳的声音,再由钢琴家按照写好的乐谱进行演奏,用两架钢琴错位的音高来实现与众不同的声音效果。艾夫斯曾说:“音乐的美,过多地被人们误认为让耳朵躺在舒适的椅子上”[3]。他认为人们在聆听音乐时,耳朵应该处于工作状态,去适应不同的声音,即使是不协和的声音也会慢慢习惯。(二)添加外部材料另一种改变钢琴声音效果的方法是通过添加外部材料,强制改变钢琴发声状态,比如在琴弦或琴键中间插入填充物,将榔头包裹住或

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